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Tout l'Art de Rogue One - A Star Wars Story - Huginn & Muninn

December 31 2016 Published on #Cinéma, #Star Wars, #Coups de coeur, #Arts

Comme pour les précédents films, Rogue One fait l'objet d'un "Art of" !

C'est Doug Chiang, directeur de la création et vice-président de Lucasfilm, qui est chargé de mener l'équipe des "Concepts Artists". Comme pour chaque film, la préproduction débute par d'intenses séances de brainstorming où les artistes dessinent à tout va toutes sortes d'idées dont seule une petite partie sera retenue pour le projet final !

Chiang n'est pas un nouveau venu car il a œuvré sur les Episodes I, II et VII.

Ce superbe ouvrage nous montre un grand nombre de ces dessins, regroupés par planète : Lah'Mu, Yavin 4, Jedha, Eadu, Mustafar et Scarif - par ordre d'apparition dans le film !

Petit à petit le scénario va se faire visuel. L'idée de base vient de John Knoll, un gars des effets spéciaux, qui pense à une équipe d'espions qui va subtiliser les plans de l'Etoile de la Mort. a l'origine, ce pitch devait être utilisé pour l'hypothétique série télé Star Wars en Live Action, évoquée à partir de 2005 mais qui est devenue depuis une Arlésienne !

Le défi pour les concepteurs - et Gareth Edwards le réalisateur - était de trouver un bon compromis entre fidélité et innovation ! Sur ce point, c'est parfaitement réussi ! On est en terrain connu et pourtant, on est surpris ! Il faut dire que cette Galaxie est très vaste !

Ralph McQuarrie est vraiment l'artiste dont tout est parti, qui a posé les fondations ! En effet, on retrouve dans ces dessins et dans le film, le Château de Vador, qui à l'origine est une création du dessinateur de Boeing, pour Le Retour du Jedi - mais qui n'avait pas été retenue à l'époque !

L'intérêt de ces "Art of" est qu'on voit l'évolution des concepts et il y a  fort à parier que des idées non retenu sur Rogue One seront recyclées dans l'avenir !

On constate aussi que les décors des différentes planètes, au fil du film, s'éclaircissent - pour signifier que Jyn Erso, l'héroïne principale, a les idées de plus en plus claires !

Voilà, je ne développe pas plus car l'expérience de ce livre est avant tout visuel et ne passe pas forcément avec des mots !

Je vous dis à bientôt avec le "Rogue One - Le guide visuel ultime" !

PS : Et évidemment alors que 2016 se termine, une petite pensée pour Carrie Fisher et Kenny Baker qui nous ont quitté !

Tout l'Art de Rogue One - A Star Wars Story - Huginn & Muninn
Tout l'Art de Rogue One - A Star Wars Story - Huginn & Muninn
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Le meilleur des illustrations Star Wars

July 30 2015 Published on #Arts, #Star Wars

Depuis quelques années, on voit fleurir sur le marché français des "beaux livres" autour de Star Wars ! Parmi ceux-ci, il y a "Le meilleur des illustrations Star Wars" avec un avant-propos d'Howard Roffman et une introduction de Steven Heller.

Star Wars est devenu rapidement, dès sa sortie en 1977, un phénomène mondial qui a enflammé les imaginaires des artistes des quatre coins du globe ! De plus, l'illustration tient un grand rôle dans cette saga visuelle. Pour preuve, les rêves de George Lucas ont d'abord été mis en images par l'artiste de la firme Boeing, Ralph McQuarrie qui réalisa une demi-douzaine de dessins conceptuels pour proposer le projet aux studios dès sa genèse !

D'autres artistes très célèbres ont contribué au mythe et on retrouve leurs illustrations dans ce recueil - en pleine page - par exemple Drew Struzan qui réalise de nombreuses affiches des films - et aussi de romans - Star Wars ! Citons aussi les frères Hildebrandt qui travaillèrent sur le projet multimédia "Shadows of the Empire" ou encore Dave Dorman. On a pu par ailleurs apprécier le travail de ses trois derniers artistes dans des "Art of".

Les artistes de l'ouvrage sont de toutes les nationalités ! Avec une prédominance d'Anglo-saxons mais on trouve aussi des Japonais tels Tsuyoshi Nagano ou Tsuneo Sanda... Mais aussi le Français Philippe Druillet, collaborateur de Pilote ou Metal Hurlant !

En ce qui concerne la Prélogie, on songe aux croquis et dessins de Doug Chiang !

Un superbe ouvrage pour le plaisir des yeux, édité par Huginn & Muninn à qui on doit déjà d'autres beaux livres sur la saga !

A bientôt !

Le meilleur des illustrations Star Wars
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Degas Danse Dessin - Paul Valéry

May 11 2015 Published on #Essai, #Littérature XXème, #Arts

Paul Valéry a côtoyé les plus grandes éminences de son temps : Bergson, Poincaré, Mallarmé, Gide, mais aussi les peintres et parmi eux Degas. De plus, l'auteur du" Cimetière marin" et des Cahiers - sur lesquels j'ai effectué mon mémoire de Master II de Lettres - avait un coup de crayon remarquable !

Dans cet essai, Degas Danse Dessin qui contient une trentaine de courts textes, rassemblés en 1938, il livre ses réflexions sur l'artiste Degas et son art, des anecdotes et des souvenirs !

Edgar Degas était un peintre au fort caractère, ombrageux, et qui poussait la recherche picturale jusqu'au perfectionnisme. Valéry raconte que l'artiste cherchait toujours à retravailler ses tableaux, pour en gommer les "imperfections". Degas avait médité longuement sur ce qu'est la peinture et se fâchait souvent sur le sujet. Il ne se considérait pas réellement comme un "impressionniste", exécutant des paysages en réalité réalisés en intérieur comme un panorama de rocher effectué en observant des morceaux de charbons de son poêle !

La peinture est observation, interprétation par un "tempérament" et une forme d'intelligence !

L'artiste peintre Degas analysait aussi le mouvement - le mouvement gratuit - celui des Danseuses ! Ses esquisses, études, tableaux et statues de l'Opéra sont très célèbres comme la Petite Danseuse de 14 ans. Il s'appuyait aussi sur la photographie qui allait bientôt engendrer le cinéma ! Valéry s'interroge par-ci, par-là sur le rapport et la coordination entre l’œil et la main, déplorant qu'il n'existe en fait aucune étude scientifique sur le sujet !

A travers Degas, c'est aussi sur tous les peintres et les écrivains - les artistes - de la Belle Époque que Valéry s'attarde ! Avec une plume toujours aussi incisive, précise et une réflexion féconde !

Valéry est décidément l'intellectuel pur, celui qui s'est engagé profondément dans la réflexion méditative et c'est pour cela que je l'estime beaucoup !

Je vous renvoie aussi à son Introduction à la méthode de Léonard de Vinci chroniqué par ailleurs sur bibliothèque-éclectique jadis !

A bientôt !

Degas Danse Dessin - Paul Valéry
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Musée des Impressionnismes de Giverny

May 8 2015 Published on #Arts, #Musées

J'ai eu l'occasion en ce 8 mai 2015 de visiter le Musée des Impressionnismes de Giverny qui consacrait une exposition temporaire à Degas avec des collections venues du Musée d'Orsay ! Petite présentation du lieu !

Le Musée des Impressionnismes succède en 2009 au Musée d'art américain de Giverny, crée en 1992. L'endroit étudie les suites du mouvement de peinture initié dans la deuxième partie du XIXème siècle par Manet, Renoir, Monet et Degas parmi tant d'autres, privilégiant les paysages extérieurs vus sous une certaine lumière !

Le musée est géré par la Fondation Terra et possède une salle intitulée "Autour de Monet" qui expose des œuvres impressionnistes et post-impressionnistes.

Le batiment qui abrite les collections est entouré d'un jardin où vous pouvez admirer - et sentir - des essences de fleurs de toutes les couleurs. Il est également possible de se restaurer !

Les villes entre Trouville, Rouen et Paris, les bords de Seine, sont en effet un haut lieu de ce courant de peinture qu'est l'Impressionnisme !

En fait, toute la ville de Giverny est un lieu dédié à la peinture, galeries, jardins et aussi - et surtout ! - la maison de Claude Monet, son jardin initial et son jardin d'eau ! De nombreuses boutiques de souvenirs vous permettront d'acquérir des objets décorés d’œuvres dédiées ou des ouvrages instructifs sur le sujet !

Concernant l'exposition temporaire Degas - j'aurais l'occasion de commettre dans le futur des billets sur tous ces peintres, Degas, Monet... - elle est très bien conçue, intéressante et bourrée d'informations ! Vous y trouverez évidemment les danseuses de l'Opéra, les paysages mais aussi les premières esquisses, des fusains, l'influence sur le peintre des classiques et des italiens ! C'est -je l'ai dit ! - très intéressants mais d'autant plus si vous vous y connaissez déjà un peu sur le sujet - sinon une petite recherche préalable s'impose !

Dans le musée, des activités pour les enfants, pour les adultes, pour les groupes sont également organisées !

Une très bonne journée pour moi et mes amis - avec un temps radieux !

A bientôt !

Musée des Impressionnismes de Giverny
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Picasso ou la Révolution Picturale - Généralités

February 27 2015 Published on #Arts

Pablo Picasso nait en 1881 à Malaga - En Espagne - et décède - à 91 ans - en 1973 à Mougins, en France. Il passe sa jeunesse en Espagne d'un père artiste-peintre néanmoins il demeurera la majeure partie de sa vie en France.

Le petit Pablo n'est pas un enfant particulièrement précoce.... En effet, il savait à peine lire à 10 ans. Mais il s'exerce au dessin, et, dans ce domaine, il se révèle être un prodige !

A Barcelone, en 1896, il est reçu à l'école de la Llotja - où enseigne son père - ayant réalisé en un jour le projet d'admission qui prend généralement trois mois aux élèves ! Cette même année, il peint L'Enfant de chœur et Science et Charité. Il partage alors un atelier qu'il loue Rue de la Plata avec son ami Manuel Pallarès.

En septembre 1897, Pablo Picasso intègre l'académie royale de San Fernando à Madrid mais la quitte vite, ne s'y plaisant pas. Il retourne alors à Barcelone - en 1900 - et y expose pour la première fois à 19 ans - à Els Quatre Gats, un cabaret de la bohème - et par la suite part pour Paris où il s'installe dans le quartier Montmartre, là aussi quartier de la bohème et des artistes.

Picasso va alors traverser différentes "périodes" : "période bleue" de 1901 à 1904 puis "période rose" de 1904 à 1906.

Puis c'est la création du cubisme en 1907 - avec son comparse Georges Braque. Picasso a - entre 1907 et 1909 - subit des influences africaines qu'on retrouvera notamment dans Les Demoiselles d'Avignon.

Dans le cubisme, tous les objets sont une recherche sur la géométrie et les formes - où les objets se retrouvent fractionnés, réduits en petits carrés.

Durant l'année 1912, l'artiste espagnol réalise ses premiers collages et assemblages.

La Guerre 14-18 met fin à sa vie de bohème parisienne ! Il trouve un nouveau souffle grâce à sa rencontre avec Jean Cocteau qui le conduit en Italie. C'est la fin du cubisme pour Picasso. A la fin de la Grande Guerre, il expose avec Matisse, se marie avec la danseuse russe Olga Khokhlova avec comme témoins Cocteau, Max Jacob et Apollinaire.

Picasso aborde sa période surréaliste en 1925. On le voit le peintre évolue en fonction de sa vie et de ses drames. La période surréaliste mériterait un billet à elle seule !

A la suite du bombardement de Guernica lors de la Guerre Civile Espagnole, le 26 avril 1937, Picasso peint son célèbre tableau éponyme, torturé, et dénonce la guerre et ses horreurs !

On ne s'appesantira pas sur la fin de la vie de Picasso - l'artiste fera l'objet d'autres articles plus détaillés ! On peut toutefois dire qu'après la fin de la Seconde Guerre mondiale sa peinture se fait plus optimiste comme l'atteste le tableau La Joie de vivre. Le 5 octobre 1944, Picasso adhère au parti communiste et demeure un artiste engagé !

Cet article est le fruit de la collaboration entre Yves et Syric dans le cadre d'un échange entre leurs blogs respectifs !

Pour Yves : http://milletableaux.eklablog.com/ (où vous pourrez voir un "futur Picasso en herbe" !)

et

Pour Syric : http://biblio-drizztversion2.overblog.com/

et

http://bibliotheque-eclectique.eklablog.com/

A bientôt !

Picasso ou la Révolution Picturale - Généralités
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Quelques considérations sur les origines de l'art

February 25 2014 Published on #Arts

Ces temps-ci, afin de compléter mes connaissances sur le cinéma, je me suis lancé dans la lecture du livre d'André Bazin, Qu'est-ce que le cinéma ? dans la collection 7èmeART chez l'éditeur cerf-Colet ! C'est un recueil d'articles.

Je pense être en mesure de produire au fil du temps une série de billets sur les aspects évoqués dans ces articles, billets qui viendront astucieusement s'intercaler aussi dans mes "Chroniques cinéphiliques" !

Je commence aujourd'hui en partant sur le premier article du livre qui s'intitule "Ontologie de l'Image Photographique" que je mêle à des réflexions personnelles, d'autres lectures (notamment les derniers livres de Roland Barthes sur la photographie) et les cours que j'ai suivis l'année dernière à la fac sur les relations entre les Lettres et les Arts.

L'Art au début de son histoire était d'influence religieuse. Il n'était pas à proprement parlé figuratif ou représentatif et était en réalité bien plus que cela. La "représentation" artistique n'en était pas une et ne se substituait pas son image à la réalité mais était la réalité !

Je m'explique ! Le bison que les peintres-shamans de la Grotte de Lascaux peignaient sur les murs n'étaient pas une représentation de l'animal mais l'animal et le peindre percé de flèches était supposé procurer une chasse victorieuse. Dans les faits, c'est probablement encore plus compliqué que cela - comme on est avant l'écriture, il est difficile de se faire une idée. On est à l'époque de la pensée magique avant la pensée mythique !

Les Égyptiens vouaient un rapport particulier à la Mort. Elle était au centre de leur préoccupation et la Religion permet du moins l'interrogation sur la Finitude. Les habitants de la région du Nil embaumaient leurs morts et pratiquaient la momification sur les notables. Mais il pouvait arriver que la dépouille soit corrompue physiquement. Une statuette était alors utilisée et placée dans la tombe pour servir de corps de rechange pour l'âme du défunt. La statuette, l’œuvre d'art, ne sert donc pas à des fins contemplative mais à des fins religieuse. Elle n'est pas une image de la réalité, elle est la réalité !

L'image photographique - comme le montre André Bazin - est une forme d'embaumement. Une façon de figer le temps par delà la Mort. Dans la photographie, on "prend" du réel. La Nature devient Art et il n'y a pas comme dans la peinture, ce "style", cette "subjectivité" de l'artiste - encore que cela peut se discuter !

La photographie et le cinéma sont des procédés techniques tout autant qu'artistiques. Le cinéma est aussi un langage et possède sa grammaire.

En peinture, l'image a d'abord servi à des fins religieuses et non à représenter l'Homme. Puis avec le Quattrocento est venu la représentation en "Perspective". On prend de la profondeur de champs !

La révolution suivante est la photographie qui reproduit mécaniquement la réalité ! Dès lors, la peinture de déplace vers l'art non-figuratif puis l'abstraction. Ce sont les évolutions du début du XXème siècle, fauvisme, cubisme, surréalisme en peinture... puis Art Abstrait...

Pour ceux que l'introduction de la perspective en peinture intéresse, je vous revois au billet que j'ai fait en juillet 2012 sur Myrkos, la BD de Kraehn et Miguel !

Désolé pour le caractère un peu décousu des propos ci-dessus mais ces précisions sont tout de même de bons compléments à divers de mes billets !

A bientôt !

Quelques considérations sur les origines de l'art
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Le Louvre - Antiquités Egyptiennes

February 13 2014 Published on #Musées, #Histoire Antique, #Arts

Le Musée du Louvre n'a cessé, au cours de son histoire, d'agrandir ses collections ! Il a bénéficier, en particulier des "prises de guerre" de Napoléon Bonaparte, en particulier des apports de la "campagne égyptienne". Champollion, considéré comme le père de l’Égyptologie, fut directeur du "musée égyptien" du Louvre à partir de 1826.

Les collections "égyptiennes" occupent trois ailes : Denon, Richelieu et Sully. Je ne parlerais pas ici des pièces de l’Égypte romaine et copte mais aborderais la collection "Levant" et les collections de l'Ancien et du Nouvel Empire.

Dans l'Aile Sully, on trouve la collection "Levant" - au Rez-de-Chaussée. Parmi ces pièces, il y a le cercueil de la dame Madja (vers 1450 av. JC), une statue de la déesse-lionne Sekhmet (1391 - 1353 av. JC) et une figurine d'hippopotame (vers 2033 - 1710 av. JC).

A la fin du Moyen Empire, on déposait souvent dans les tombes - celles des hauts fonctionnaires en majorité - dans des coffrets bien fermés, des effigies d'animaux, de dieux censées protéger le défunt dans son voyage dans l'au-delà. Ces statuettes - comme celle d'hippopotame mentionnée plus haut - sont en faïence ou bien en calcaire ou en bois.

Au Louvre sont également conservées des pièces de renommée mondiale, tel le célébrissime poignard du Gebel el-Arak de la période pré-dynastique ou encore période de Nagada. Son manche est sculpté des deux côtés avec des représentations de scènes de chasse et de guerre. On trouve aussi - dans la même période (3000 avant JC) la Stèle du roi-Serpent.

L'Ancien Empire est représenté par la Stèle de Néfertiabet (retrouvée emmuré dans un tombeau de Gizeh) qui représente un festin funèbre offert à une femme de haut rang. il s'agit probablement d'une soeur du roi Kheops. Tout ce dont la dame aura besoin dans l'au-delà est représenté sur la stèle.

La pièce la plus emblématique du département égyptien du Louvre est probablement le Scribe accroupi (2620 - 2500 av. JC). C'est un chef-d’œuvre de la statuaire égyptienne taillée dans un bloc de calcaire qui représente un fonctionnaire du pouvoir égyptien.

Citons aussi les statues de L'inspecteur des scribes Raherka et sa femme Merséankh (vers 2350 av. JC), la dame Nay (vers 1400 av. JC), la dame Touy, (1400 - 1350 av. JC) et le Portrait de Sénynéfer et Hatchepsout (vers 1410 av. JC).

Il y a aussi, à côté de statues, des stèles et des objets funéraires, des objets du quotidien égyptien. Ainsi, pour le Nouvel Empire, une Cuiller en forme de jeune fille nageant. Mais il pouvait tout aussi bien s'agir d'un récipient pour cosmétique, d'un talisman ou d'un simple objet d'art - de la période 1400 - 1300 av. JC.

On trouve aussi pour le Nouvel Empire des représentations de ses Pharaons : un Corps de femme (Néfertiti ?), le roi Aménophis IV - Akhénaton, Akhénaton et Néfertiti et Amon, protégeant Toutânkhamon - on est aux environs de 1340 av. JC.

Bref, des très belles collections d'art antique qui côtoient des œuvres mésopotamiennes, grecques ou romaines notamment mais ceci sera une autre histoire dans d'autres billets !

A bientôt !

Le Louvre - Antiquités Egyptiennes
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Le Louvre - Peinture française : Néoclassicisme et Romantisme

September 9 2011 Published on #Arts

Voici un deuxième article sur les trésors du Louvre. Cette fois-ci je vous emmène visiter les salles 75, 76 et 77 de l'Aile Denon, une longue salle austère crée pour le musée impérial en 1863 dont le décor rouge foncé et or, œuvre d'Alexandre Dominique Denuelle est aisément reconnaissable.

Ce qui frappe au premier abord,c 'est la taille monumentale des peintures, et leur maîtrise technique achevée, qu'il s'agisse des tableau de Jacques Louis-David, d'Antoine-Jean Gros ou de Théodore Géricault.

Jacques-Louis David (1748 - 1825) fut le peintre du règne de Napoléon Ier. Son œuvre la plus célèbre reste le Couronnement de Napoléon ou l'empereur, debout, pose la couronne sur la tête de Joséphine. Plus de 150 personnages figurent sur ce tableau élogieux. David est également connu pour Le Serment des Horaces qui flatte les idéaux de la Révolution.

On doit à Jean-Auguste- Dominique Ingres (1780 - 1867) un portrait de Mademoiselle Caroline Rivière, un dessin très minutieux qui respire la sérénité.

Dans la salle Molien, également tout de rouge parée, sont exposés les grands tableaux de l'époque Romantique française.

Le Radeau de la Méduse de Théodore Géricault (1791 - 1824) compte également parmi les chefs-d'oeuvres exposés dans cette galerie.Il décrit les souffrance de naufragés et se divise en deux espaces : à gauche de la toile, le désespoir, la souffrance et la résignation et à contrario, de l'autre côté, la perspective d'être secouru tandis qu'un navire se profile à l'horizon. Une construction très géométrique pour ce tableau.

Parmi les tableaux exposés salle Molien, on trouve également Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa, le 11 mars 1799 d'Antoine-Jean Gros et les peintures d'Eugène Delacroix (1798 - 1863), le très célèbre Le 28 juillet, la Liberté guidant le peuple (avec son Gavroche inspiré par Hugo) ou Mort de Sardanapale.

Voila, la visite est terminée...pour l'instant !

A bientôt !

Le Louvre - Peinture française : Néoclassicisme et Romantisme
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Henri Matisse, roman - Louis Aragon

December 8 2010 Published on #Arts, #Essai

Henri Matisse, roman n'est pas à proprement parlé un roman. il relève à la fois de l'essai, de la chronique et du livre d'art. Mais c'est un roman dans le sens où il met en avant un personnage et le récit de son art, Henri Matisse!

Ce projet a mis 27 longues années avant d'aboutir. Le livre, disponible dans la collection Quarto chez Gallimard, est épais: 850 pages. Il comporte deux tomes regroupés au sein du même volume. Chaque tome regroupe un panel de textes écrits dans différentes circonstances de 1941 à 1968 et se termine par une anthologie où Aragon passe en revue les œuvres du peintre. Le livre est abondamment illustré des œuvres du maitre (malheureusement dans cette édition en noir et blanc!) et comporte également des photos qui montre Matisse au travail.

Aragon et Matisse était amis. Ils se sont rencontré en 1941 à Cimez où résidait le peintre tandis qu'Aragon et Elsa triolet vivait eux à Nice. C'était l'époque de la Seconde Guerre Mondiale ! Aragon composa très vite "Matisse-en-France", le premier texte du volume. il admirait Matisse depuis longtemps et en 1917, avec André Breton, il avait affiché sur leurs murs au Val-De-Grace des reproductions de toiles de Matisse.

Matisse a étudié la peinture dans l'atelier de Gustave Moreau mais très vite il s'en est détaché et a "simplifié la peinture". Aragon dira qu'en fait il l'a compliqué. Pour voir l'évolution de son style, on compara ses deux tableaux nommés La desserte.

Il lance son art dans de nouvelles direction et en 1907, au Salon d'Automne, il est qualifié de 'fauve" par le critique d'art Vauxcelle. Le fauvisme est lancé et se caractérise par des couleurs éclatante. La peinture de Matisse est résolument optimiste !

Il ne cesse jamais d'explorer de nouvelles voix, fait des recherches sur la couleur, utilise plus tard les collages dans un ouvrage intitulé Jazz dont l'un des plus célèbres est Icare.

En 1941, Matisse est opéré pour des problèmes intestinaux. Cette opération lui laissera treize année de répit. il meurt le 3 novembre 1954. Aragon, dans le livre, évoque la maladie sous l’appellation Le Personnage. Matisse se montrait très pudique sur ce point. En attendant il rêve, comme il le dit lui même de faire " la grande composition". "Grande composition" par la taille notamment comme la chapelle de Vence qu'il décora de 1948 à 1951.

Matisse a illustré un grand nombre de littérateurs : Charles Baudelaire, Charles d'Orléans, Ronsard... A chaque fois, il apporte sa vision personnelle.

Homme aussi génial que modeste, le Matisse que l'on découvre dans le livre d'Aragon est un personnage attachant. J'ai par ailleurs eu l'occasion de feuilleter un ouvrage de la collection Le Figaro - Les grands maitres de l'art qui lui est consacré et je déplore que l'ouvrage d’Aragon ne soit pas mentionner dans la bibliographie de ce livre d'art.

A bientôt !

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Camille Claudel - Bruno Nuytten

December 18 2008 Published on #Cinéma, #Coups de coeur, #Arts

Camille Claudel est une sculptrice de la fin du XIXème - début du XXème siècle. Elle resta longtemps méconnue car dans l'ombre du grand artiste qu'était Auguste Rodin ! Elle voua un amour éperdu à cette grande figure des arts et connu un destin tragique en sombrant dans la folie paranoïaque et en étant internée durant plusieurs décennies jusqu'à la fin de ses jours !

Bref, c'est une figure féminine hors norme - dont on pourrait penser qu'elle a payé le prix fort à vouloir s'émanciper d'une société qui n'était pas tendre avec les femmes, celle de la Belle Epoque ! Qui de mieux pour l'incarner que cette autre grande figure de féministe parmi les arts qu'est Isabelle Adjani ! Et pour tenir le rôle de Rodin qui de mieux que Gérard Depardieu qui en impose par sa seule corpulence !

Pour être complet sur Camille Claudel, il faut dire qu'elle est bien évidemment la sœur de Paul Claudel, le célèbre écrivain, dramaturge et diplomate.

En 1988, sort donc sur les écrans le film éponyme, Camille Claudel,  de Bruno Nuytten ! Avec donc Adjani et Depardieu dans une rencontre au sommet ! Claudel contre Rodin, la rebelle contre l'homme bien installé !

Camille n'a qu'une passion dans la vie, la sculpture ! Elle s'y engage corps et âme ! Un peu seule contre tous, elle peut néanmoins compter sur l'appui de son frère Paul. L'objectif de la jeune femme est alors d'entrer dans l'atelier d'Auguste Rodin et pour cela elle va devoir lui démontrer son talent et sa détermination sans faille !

Camille parvient enfin à être engagée comme apprentie ! Très vite, elle va tomber amoureuse du maitre et lui en fera sa maitresse et son égérie.

Mais le maitre va-t'il prendre ombrage du talent de sa protégée ! C'est ce que pense Camille qui sombre vite dans la paranoïa ! Avait-elle trop de talent et son génie l'a t'elle étouffée ? Ce film pose une fois de plus les rapports entre génie et folie ! Pour ma part, je pense qu'il faut dissocier les deux et que la folie entrave le génie mais que le commun des mortels montre la même incompréhension vis-à-vis du génie ou de la folie !

Le film de Nuytten est une belle œuvre et fut multi-récompensé ! Une avalanche de Césars en 1989 dont Meilleur Film et Meilleure Actrice pour Isabelle Adjani ! Des nominations aux Oscars figurent même à son palmarès !

Le récit se fonde sur le livre écrit par Reine-Marie Paris, petite-fille de Paul Claudel et donc petite-nièce de Camille !

Voilà, un film à ne pas manquer !

A bientôt !

Camille Claudel - Bruno Nuytten
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